Der König des Pop und der Papst des Pop

Andy Warhol und Michael Jackson haben beide die Grenzen der Kunst herausgefordert und neu definiert. Warhol zwang uns, die Konsumkultur zu überdenken, während Jackson unsere Annahmen über Identität, Rasse, Geschlecht und Sexualität hinterfragte. Beide Künstler haben unsere Definition von Kunst infrage gestellt und uns gezeigt, dass Kunst nicht nur in traditionellen Formen wie Musik und Malerei existiert, sondern auch in der Schaffung einer öffentlichen Person. Warhol und Jackson haben nicht nur Kunstwerke geschaffen, sondern auch das Konzept von Kunst selbst. Sie haben unsere Vorstellung davon beeinflusst, was Kunst ist und wie sie entsteht.

Willa: Vor ein paar Wochen schickte uns unsere Freundin Lisha McDuff einen Link zu einer Dokumentation über den größten Popstar seiner Zeit und sie faszinierte mich sehr – besonders die Art, auf die er Kunst neu definierte, in dem er Bereiche einbezog, die wir nicht typischer als Weise Kunst betrachten, wie seinen Ruhm, seine öffentliche Person, seine Sprechstimme und sogar sein Gesicht. 

Obwohl er, wie die Dokumentation zeigte, in gewisser Weise dazu gezwungen war, sein Gesicht zum Teil seiner Kunst zu machen, weil er an einer Auto-Immun Krankheit litt, welche die Pigmentierung seiner Haut betraf. In der Dokumentation gibt es Fotos, die große, weiße Flecken auf seinen Wangen und seinem Hals zeigen, wo die Pigmentation zerstört wurde. Menschen, die ihn später in seinem Leben kannten, sagten, seine Haut war unnatürlich weiß und er hätte teilweise Make-up benutzt, die sie noch weißer machte. Er war auch sehr befangen wegen seiner Nase – er dachte, sie sei zu „knollig“ – und er hatte sicherlich plastische Operationen, um sie kleiner und dünner zu machen. Er war auch dafür bekannt, unmögliche Perücken zu tragen, die er absichtlich selbst verunstaltete, indem er sie vorn mit Scheren bearbeitete und das Unterhaar in dunklem Braun färbte, während er das Deckhaar in einem Silber-Blond beließ.

Natürlich spreche ich vom Papst des Pop, Andy Warhol – einem Künstler, den Michael Jackson mehrmals traf und dem er in seinem Video Scream die Ehre erweist. Lisha, ich danke dir, für das Teilen dieser Dokumentation „Andy Warhol: The Complete Picture“ und dafür, dass du mit mir darüber sprichst.

Lisha: Es ist ein Privileg, wieder mit dir zu sprechen, Willa, besonders über die Verbindungen zwischen Andy Warhol und Michael Jackson. Seitdem ich dein Buch gelesen habe und deine brillante Analyse zu dem Selbstporträt Andy Warhols in Scream*, faszinierte mich die Verbindung der beiden und die Art, wie beide Künstler die Grenzen der Kunst herausforderten und neu definierten. In deinem Buch schriebst du:

„Während Warhol uns zwang, Campbell-Suppendosen anzusehen und unser Verhältnis mit der Konsum-Kultur neu zu überdenken, zwang uns Jackson, ihn anzusehen – den kleinen Jungen, den wir seit der Kindheit liebten und der zu etwas Unerwartetem heranwuchs – und unsere Annahmen bezüglich Identität und Rasse, Geschlecht und Sexualität zu überdenken.“

(*mehr dazu am Ende dieses Posts…)

Besonders interessant ist das, wenn man einbezieht, wie Michael Jackson sich selbst schon früh in seinem Leben als ein „Markenprodukt“ verstanden haben muss; er entwickelte eine Star-Persönlichkeit bereits in sehr jungen Jahren.

Willa: Das ist ein gutes Argument, Lisha. Motown produzierte nicht nur Musik, sondern präparierte seine Künstler sorgfältig, sie unterrichteten sie im Sprechen, Etikette, Mode, Verhalten – wie man in der Öffentlichkeit isst und trinkt, wie man geht und spricht, wie man Interviews gibt, auf eine Art, die einem Cross-over-Publikum eine ansprechende Persönlichkeit präsentierte. Und für Michael Jackson begannen diese Lehrstunden in einem jungen Alter, als er gerade 10 Jahre alt war.

Lisha: Ich habe mich oft gefragt, wie das sein musste – zu lernen, eine öffentliche Person zu erschaffen, die sogar jünger war, wie sein wirkliches Alter. Und wie war es für ihn, diese Star-Persönlichkeit jeden Sonntag im Fernsehen als Cartoon-Charakter anzusehen? Es gibt nur wenige Menschen auf der Welt, die das nachempfinden können – ein Gefühl für sich selbst zu entwickeln, während man zur gleichen Zeit lernt, eine öffentliche Person zu gestalten.

Ich habe nie bemerkt, wie viele auffallende Ähnlichkeiten es im Leben von Andy Warhol und Michael Jackson gibt, bis ich diese Dokumentation sah. Ich erkannte, dass beide Männer in Stahl-Städten aufwuchsen, Pittsburgh und Gary, weil ihre Väter Stahlarbeiter waren. Sie wurden als Heranwachsende wegen ihrer Nase gehänselt und sie litten an einer Krankheit, die die Pigmentation ihrer Haut zerstörte und frühzeitigen Haarausfall verursachte. Sie wurden scheu und zurückhaltend. Und als Erwachsene reagierten beide Männer auf eine so unerwartete und unbändig einfallsreiche Art, die die Aufmerksamkeit des Publikums seitdem gefesselt hat – durch das Erschaffen einer überlebensgroßen-Star-Persönlichkeit – durch Brillen, Perücken, heller Haut und einer neugeformten Nase. Man kann problemlos behaupten, dass die größten Kunstwerke von Andy Warhol und Michael Jackson Andy Warhol und Michael Jackson sind.

Willa: Ich stimme zu, Lisha. Wenn wir an Kunst denken, dann denken wir normalerweise an Musik, Tanz, Malerei, Dichtung/Romane, Dramen, Poesie, Bildhauerei, Film und all die anderen leicht erkennbaren Genres des künstlerischen Ausdrucks. Aber Andy Warhol und Michael Jackson haben nicht nur unbeschreibliche Kunstwerke geschaffen – sie haben auch unsere Definition von Kunst infrage gestellt. Und vielleicht wurde ihr wichtigstes und experimentellstes Werk bisher nicht einmal als Kunst erkannt, und das ist ihre innovative Arbeit mit der Kunst des Prominenten und den Massenmedien, worin auch die Erschaffung einer öffentlichen Person enthalten ist, die, wie du sagst, die allgemeinen Vorstellungen hinterfragt und neu definiert.

Und das Interesse an Ruhm/Prominenz scheint bei beiden in jungem Alter begonnen zu haben. Warhol wurde besessen von Prominenten und begann ein Album mit Fotos und Autogrammen zu gestalten, als er noch in der Grundschule war. Einer seiner wertvollen Schätze war ein signiertes Foto von Shirley Temple, gezeichnet mit: „An Andrew Warhola“. Und Michael Jackson war später ebenfalls von Shirley Temple fasziniert, obwohl es bei ihm nicht nur Bewunderung war. Weil sie ein Kinderstar war und unter einigen der Erfahrungen gelitten hatte, die auch er kannte, identifizierte er sich mit ihr und schien mit ihr eine tiefe Verbindung zu spüren. Später wurden sie Freunde und er beschreibt ihre erste Begegnung sehr emotional – wie zwei Überlebende, die sich nach einer Tragödie wiederfinden.

In der Warhol Dokumentation geht es etwa in der achten Minute um das Prominenten-Album mit dem Shirley Temple Foto. Hier ist ein Link zu der Dokumentation. An manchen Stellen ist sie etwas „pikant“ – weshalb Leute mit Kindern sie vielleicht nicht ansehen sollten, wenn sie im Zimmer sind:

Die Diskussion über Warhols Gesicht und sein öffentliches Image – besonders sein visuelles Image – beginnt etwa nach 12 Minuten, und dann wird das Thema nach etwa einer Stunde noch einmal aufgegriffen. Ein kleiner Leckerbissen: Es gibt ein Bild von Michael Jackson von Warhols Interview Magazine bei 1:13:20

Lisha: Shirley Temples Einfluss auf diese beiden Künstler ist für mich erstaunlich. In Victor Bokris Biografie von Andy Warhol beschreibt er, wie sehr Warhol Shirley Temple vergötterte. Sie inspirierte seine grundsätzliche Lebensphilosophie: „Arbeite ständig, mach’ es zu einem Spiel, und behalte deinen Sinn für Humor.“ Warhol nahm sogar Tanzunterricht, um ihr nachzueifern, und es war eine Referenz an Shirley Temple, als er bekannterweise sagte: „Ich wollte nie ein Maler sein; ich wollte ein Stepptänzer sein.“

Willa: Das ist sehr interessant, Lisha. Ich kannte das Zitat schon, aber ich dachte, er macht Witze!

Lisha: Laut seinem Neffen, James Warhola, behielt Warhol im privaten diesen kindlichen Spirit sein ganzes Leben lang. Warhola schrieb ein Kinderbuch mit dem Namen „Uncle Andy’s“, in dem Warhols Zuhause als ein gigantischer Freizeitpark voller Karussell-Pferde, Antiquitäten und allen möglichen hübschen Kunstwerken beschrieben wird. Für mich hört sich das sehr nach Neverland an!

Willa: Wirklich, nicht wahr?

Lisha: Ich denke, man kann wohl sagen, dass Shirley Temple und dieser kindgleiche Spirit Einfluss darauf hatten, wie diese beiden Künstler Ruhm/Prominenz auch sahen. Wie Crispin Glover in der Dokumentation sagt: „Es gibt ein paar wenige Menschen in der Geschichte, für die du nur ein paar Dinge zusammenfügen musst, und du erkennst die Person, wie Abraham Lincoln, Teddy Roosevelt oder Groucho Marx.“ Man weiß schnell, was er damit meint. Zylinder und Bart = Lincoln. Nasenzwicker-Brille und Schnurrbart = Roosevelt. Schnurrbart, Nickelbrille und Zigarre = Groucho. Bei Andy Warhol und Michael Jackson funktioniert es definitiv genauso.

Bei Andy Warhol denkst du sofort an die helle Haut und die silbrigen Perücken. Matt Wribican, ein Kurator des Andy Warhol Museums in Pittsburgh, sagte, dass die Perücken etwas waren, was Warhol ausdrücklich als Kunst betrachtete, und er rahmte aus dem Grund tatsächlich einige davon ein. Ultra Violet, ein Warhol „Superstar“ aus der The Factory-Zeit, beschreibt, wie Warhol durch seine Kunst eine neue Mythologie erschuf – die Mythologie von Hollywood und dem amerikanischen Traum. Wohlstand, Glamour und Prominenz sind ein großer Teil der Kunst Warhols, und seine eigene Prominenten-Rolle kann als Erweiterung davon definiert werden.

Bei Michael Jackson denken wir an die beispiellose Bekanntheit, die Haare und Sonnenbrillen; den Glitzerhandschuh und die Fedora, die bezeichnenden Tanzschritte, das „hee-hee“ und „aeow“! Das ist jedenfalls das klischeehafte Popstar-Image von Michael Jackson.

Willa: Das stimmt und es ist interessant darüber nachzudenken, wie diese Symbole funktionieren, und wie kraftvoll sie sind. Zum Beispiel wollte mein Sohn sich vor 5 Jahren für Halloween als Michael Jackson verkleiden. Er zog also einen schwarzen Fedora an, eine schwarze Jacke und Hose und weiße Socken. Ich schlug vor, er solle auch seine Haare schwarz machen, aber er sagte nein, das sei nicht nötig – und er hatte recht. Mein Sohn lief durchs Viertel als ein blonder, blauäugiger Michael Jackson, und jeder wusste sofort, wer er war. Er musste nicht wie Michael Jackson aussehen – er musste nur in diese Ikonografie schlüpfen, die Michael Jackson für sich erschaffen hatte. Diese Symbole blendeten alles andere völlig aus, meine Nachbarn sahen einen kleinen, blonden Jungen an und dachten sofort „Michael Jackson“. Und mein Sohn verstand das mit seinen 12 Jahren wohl tatsächlich besser als ich.

Lisha: Ist es nicht interessant, dass das bei allen Altersklassen, Rassen und Ethnien, als auch bei Jungen und Mädchen gleichermaßen funktioniert? Solange du eine Kombination diese Symbole benutzt, wird es sofort erkennbar. Und bedenke auch, es gibt doch nicht nur eine Gruppierung von Symbolen, die Michael Jackson identifiziert. Ein Retro-1980-Club in meiner Nachbarschaft lud Leute ein, als Michael Jackson verkleidet zu kommen. Stell dir die vielen Möglichkeiten vor!

Willa: Das ist fantastisch! Und du hast recht – es gibt für die verschiedenen Dekaden eine unterschiedliche Symbologie. Eine rote Lederjacke erweckt eine andere Ära, als ein weißes T-Shirt und schwarze Hosen.

Lisha: Ja, das gilt für unterschiedliche Epochen und auch für unterschiedliche Charaktere und Lieder. Es gibt einfach so viele davon: die Armbinde, die Operationsmaske, die ins Gesicht fallenden Haare, die glitzernden Military-Jacken, die Armschiene, die Glitzersocken und die schwarzen Loafers… Symbole die auf Michael Jackson und die gesamte „Michael Jackson“ Mythologie verweisen. Z.B. die rote Lederjacke in Thriller oder Beat It und der weiße Anzug und Hut in Smooth Criminal, sind Symbole, die nur für diesen besonderen Film oder Song gedacht waren, aber sie wurden so untrennbar mit der Musik verbunden, dass es nötig war, sie auch in den Live-Auftritten zu verwenden. Diese Symbole helfen dabei, die Charaktere zu formen, die die gesamte „Michael Jackson“ Mythologie ausmachen.

Ich erinnere mich an ein Interview mit David Nordahl, einem der Porträtmaler Michael Jacksons, der über den Gegensatz von Michael Jackson und „Michael Jackson“, dem Prominenten sprach. Jackson mochte es nicht, für Porträts zu sitzen, also malte Nordahl nach Fotografien. Ob du es glaubst oder nicht, er sagte, es war schwierig ein gutes Foto von Michael Jackson zu bekommen, es sei denn, er „war Michael“. Aus Sicht eines Künstlers waren Michael Jackson und „Michael Jackson“ also sogar unterschiedlich zu fotografieren.

Willa: Wow, Lisha, das ist faszinierend! Und ich glaube genau zu wissen, worüber Nordahl spricht. Ich habe tausende Fotos von Michael angesehen, darunter viele ungestellte, und es stimmt – du kannst wirklich sagen, wann er „Michael“ ist, und wann nicht. Es ist, als ob er eine Pose einnimmt, ein Licht einschaltet und transformiert. Es ist schwer, exakt zu sagen, was genau es ist, was Michael Jackson von „Michael Jackson“ unterscheidet, aber ganz sicher fühlst du es, wenn du es siehst.

Lisha: Zum Großteil ist es so, dass alle Stars eine sorgfältig konstruierte Persönlichkeit und Masken benutzen, um ein öffentliches Image zu erschaffen. Die Musik- und Filmindustrie studiert diese Images sehr sorgfältig, weil das Star-System entscheidend für die Vermarktung ihrer Produkte ist. Aber im Fall von Michael Jackson denke ich, dass noch viel mehr dahintersteckt. Gab es jemals eine Star-Persönlichkeit, die so komplex war und sich so radikal veränderte wie die von Michael Jackson? Ich denke, hier ist ein sehr ernst zu nehmender Künstler am Werk, der, wie Warhol, nicht mit Ruhm/Berühmtheit, den Massenmedien oder Kommerz auf Kriegsfuß steht. Vielmehr glaube ich, dass er es sowohl als Kunst, als auch als System ansah, die Kunst zu verbreiten.

Willa: Ich weiß nicht, Lisha. Ich verstehe, was du sagst, und stimme dir vollends zu, dass er ein sehr raffinierter Choreograf von Berühmtheit/Ruhm und den Medien war, sowohl als Mittel, seine Kunst zu verbreiten, als auch als Element seiner Kunst. Auf gewisse Weise wurden die Massenmedien Teil der Palette zur Erschaffung seiner Kunst, und das halte ich für wichtig und revolutionär. Auf diese Idee möchte ich gerne heute während unseres Gesprächs noch näher eingehen.

Aber gleichzeitig denke ich, dass es Zeiten gab, wo er mit den Massenmedien auf Kriegsfuß stand. Du weißt, dass Warhol dachte, jede Art von Publicity sei gut. Egal, ob die Medien dich loben oder kritisieren, alles war gut, solange sie nur überhaupt von dir sprachen. Er sagte es so: „Achte nicht darauf, WAS sie über dich schreiben. Miss es einfach nur in Zentimetern.“

Aber ich denke, bei Michael Jackson war das komplizierter, teils wegen seiner Erfahrungen mit rassistischen Vorurteilen oder anderen vorgefassten Meinungen, teils wegen der Belästigungsskandale, und teils wegen einiger beängstigenden Erfahrungen mit unkontrollierbaren Menschenmengen als Kind. Ich denke, diese Erfahrungen verschafften ihm ein tiefes Bewusstsein – vielleicht sogar eine Furcht – für Massenhysterie und dieser Mob-Mentalität, die manchmal überhandnimmt. Und wenn die Medien dich auf eine Art porträtieren, die völlig konträr ist zu deinen tiefsten Überzeugungen, und auf eine Art, die einer auf Ignoranz und Vorurteilen basierenden Massenhysterie Nahrung gibt, dann wird er Warhol stark widersprechen.

Lisha: Ich muss sagen, da sprichst du ein paar wichtige Punkte an. Und es besteht kein Zweifel daran, dass es eine sehr komplizierte Situation ist, ein gefeierter und einflussreicher junger Schwarzer zu sein, der die Entertainment-Industrie dominiert; das bringt alle Arten von Ignoranz und Vorurteilen hervor.

Willa: Genau, und das sind Komplikationen, mit denen Warhol nie konfrontiert wurde, die er nicht einmal in Betracht ziehen musste.

Lisha: Aber war Warhol nicht auch in seinem Leben vielen Vorurteilen ausgesetzt? Zu der Zeit, als die weiße, männliche, heterosexuelle Kunstwelt sein Aussehen, seine Sexualität und seinen Erfolg als kommerzieller Künstler missbilligte?

Willa: Ja, das ist ein guter Punkt, Lisha. Warhol war dem Widerstand und den Vorurteilen der „weißen, männlichen, heterosexuellen Kunstwelt“ ausgesetzt – und diese Welt war ganz schön macho und homophob, besonders in den 1950ern, als er anfing. Ich meine, ich dachte an ihre öffentliche Person, besonders an ihre Gesichter als provokative Form von Kunst. Warhol veränderte die Form seiner Nase, hellte seine Haut auf (zum Teil, um seinen Hautton wegen des Pigmentverlustes auszugleichen), trug Perücken – und dieses öffentliche Gesicht stellte gesellschaftliche Normen infrage und wurde ein wichtiger Teil seiner Kunst, wie wir schon zuvor sagten. Aber es löste nicht einen solchen Feuersturm aus, der losbrach, als Michael Jackson genau das Gleiche tat.

Die Farbe deiner Haut, die Form deiner Nase und die Farbe und Beschaffenheit deiner Haare, dienen alle als Zeichen deiner Rasse, als Michael sich traute, diese Zeichen zu verändern, betrat er damit ein kulturelles Niemandsland. Das war bei Warhol einfach kein Thema – und das meinte ich mit „Komplikationen, mit denen Warhol nie konfrontiert wurde, die er nicht einmal in Betracht ziehen musste.“ Das sich verändernde Aussehen Warhols wurde bemerkt und kommentiert, aber es setzte keine Welle von Anfeindungen in Gang, wie sie das veränderte Aussehen Michael Jacksons auslöste, mit Beschuldigungen, er hasse oder verrate seine Rasse, oder würde unverschämter Weise versuchen „weiß“ zu sein.

Lisha: Ich denke, genau so ist es. Die Reaktionen auf das Aussehen Jacksons unterschieden sich sehr von denen, die je über die gleichen Veränderungen bei Warhol gemacht wurden, und sie erzeugten sehr viel Anfeindungen in Richtung Jackson. Und trotzdem frage ich mich, ob Michael Jackson wirklich mit Ruhm/Berühmtheit und den Medien ganz allgemein auf Kriegsfuß stand, oder versuchte er, Fehler in diesem System zu korrigieren?

Willa: Exzellente Frage…

Lisha: Ich denke, Michael Jackson war, wie auch Warhol, an Kontroversen im Stil von P.T. Barnum interessiert, aber dabei gibt es ein Element, was sich der Kontrolle des Prominenten entzieht. Eine falsche Beschuldigung, ein fiktiver Skandal oder unfaires Vorurteil kann alles ruinieren, wofür der Künstler sein ganzes Leben lang gearbeitet hat, ohne dass es ihr Fehler ist. Wir wissen, dass die Mob-Mentalität etwas sehr Reales ist. Persönlich bin ich sehr stolz auf die Fans von Michael Jackson, die die Medien immer weiter herausfordern und einige der verheerenden Konsequenzen ans Licht bringen, die durch das Zusammenwirken von Profit, News und Unterhaltung entstanden. Ich denke, Michael Jackson wollte mit dem Star-System kooperieren und es nutzen, um gute Dinge zu tun, aber er zögerte nicht zu zeigen, wo die Dinge gefährlich falsch laufen, was wiederum zum Teil seiner Kunst wurde.

Willa: Ich erkenne, was du sagen willst, Lisha, und ich denke, das ist eine ausgezeichnete Art, es zu umrahmen: dass er die Promi-Medien auf der einen Seite genutzt, sie aber auf andere Art kritisiert hat und sie im Grunde nutzte, um sie selbst zu kritisieren. Und ich stimme zu, dass Andy Warhol und Michael Jackson beide ihre Berühmtheit auf neue und faszinierende Art besetzten und choreografierten – auf eine Art, die andeutete, dass ihre Berühmtheit selbst ein wichtiger Teil ihrer Kunst war – und ich möchte noch mal auf das zurückkommen, was du vorher gesagt hast über David Nordahl und die Unterscheidung, die er gemacht hat und die andere genauso gemacht haben zwischen Michael Jackson und „Michael Jackson“.

Ich werde etwa dadurch an etwas erinnert, das Bruce Swedien in seinem Buch In the Studio with Michael Jackson erwähnt. Er arbeitete 30 Jahre lang mit Michael Jackson und er und seine Frau Bea kannten ihn wirklich sehr gut – also die Seite des „sanftmütigen Studioarbeiters“. Aber dann betrat er die Bühne, verwandelte sich in „Michael Jackson“ und haute sie einfach um. Swedien sagt: „Bea und ich sind mit Michael zu seinen Konzerten gereist, um die ganze Welt, (und) oft haben wir gedacht, dass wir ihn gar nicht kennen, Michael Jackson, den Performer, diese erstaunliche Person auf der Bühne.“ Sie waren wie zwei vollkommen verschiedene Wesen.

Lisha: Die Leute, die das sahen, sagen, dass es wahrlich erstaunlich war. In My Friend Michael erinnert sich Frank Cascio liebevoll daran, wie er zu seinem ersten Michael Jackson Konzert ging, wie er tatsächlich seinen Vater fragen musste: „Ist das derselbe Michael Jackson, der zu uns nach Hause kommt?“ Die Verwandlung auf der Bühne war so vollkommen.

Willa: Oh, ich stelle mir vor, wie frappierend es gewesen sein muss! Und dann, natürlich, gibt es noch den „Michael Jackson“, der in den Medien existierte, und das ist wiederum eine vollkommen andere Person. Und auf gewisse Art ist es die Interessanteste von allen, weil es solch eine bewusste Erschaffung ist. Wie du schon vorher erwähnt hast, Lisha, ist es weit mehr als der Öffentlichkeit ein positives Image zu präsentieren. Stattdessen scheint er die Engstirnigkeit gegenüber Identität zu untersuchen und damit die Art und Weise zu hinterfragen, wie wir Identität „lesen“, basierend auf physischen Merkmalen, ganz besonders Merkmalen bezüglich der Rasse und Geschlechterzuordnung. Das ist etwas, was wir in einem gewissen Maß ebenso bei Andy Warhol erkennen können, wie auf den Fotos in der Dokumentation, in denen er Lippenstift und Lidschatten trägt und so Kennzeichen für sich annimmt, die normalerweise mit Frauen assoziiert werden, obwohl er immer noch eindeutig ein Mann ist. Hier ist ein Bild:

Lisa: Das hinterfragt ganz sicher die Vorstellungen der weißen, männlichen, heterosexuellen Kunstwelt hinsichtlich der Tatsache, wer als ein großer Künstler verehrt werden kann, nicht wahr?

Willa: Das tut es. Was aber vielleicht unsere Identität am meisten von allem definiert, ist unsere Stimme, und Warhol hatte sogar eine separate öffentliche und eine private Sprechstimme – etwas, das auch über Michael Jackson regelmäßig gesagt wurde. Ich war sehr überrascht Warhols Stimme zu hören, mit der er am Telefon zu seinem Bruder sprach (etwa bei 1 1/2 Std. in der Doku), weil sie sich so sehr von der langsamen, banalen öffentlichen Stimme unterscheidet, die wir zu hören gewohnt sind.

Wir wissen nicht viel über Warhol, den Menschen hinter der öffentlichen Person – er ist eine geheimnisvolle Figur, die wir, die Öffentlichkeit, selten zu sehen bekamen. Er war ein gläubiger Katholik, der jede Woche die Messe besuchte, ein schüchterner Workaholic und ein innovativer Künstler, der sich vollkommen seiner Kunst verschrieben hatte. Aber sein Image in der Öffentlichkeit ist ganz anders: grob, materialistisch, oberflächlich, ironisch, keine Gefühle zeigend, gleichgültig – ein Beobachter, der durch das Studio schlenderte und andere dabei beobachtete, wie sie für ihn arbeiteten. In einigen Interviews sagte er, dass er nicht mehr daran beteiligt sei, seine Kunst zu erschaffen und er nicht sicher sei, wer das tue – vielleicht seine Mutter, vielleicht die Reinigungskraft. Das ist eine erfundene Geschichte, natürlich, aber das ist das Image, das Warhol ganz bewusst für sich selbst erschuf.

Und dann brachte Michael Jackson dies auf eine gänzlich neue Ebene …

Lisha: Sorry, aber ich benötige eine Minute, um mich von der Vorstellung zu erholen, wie Andy Warhol der Presse erzählt, dass er nicht sicher sei, wer all diese Kunstwerke erschaffe, vielleicht seine Mutter oder die Reinigungskraft. Das ist das absolut Lustigste, das ich je gehört habe!

Willa: Ist das nicht saukomisch? Er war wirklich sehr lustig …

Lisha: Obwohl ich gehört habe, dass Mrs. Warhola wirklich einige von Andy Warhols Kunstwerken für ihn signiert habe – er liebte einfach ihre Handschrift. Im Grunde wird es ihr zugerechnet, dieses Albumcover von 1957 für The Story of Moondog von Louis Hardin mit ihrem Sohn kreiert zu haben. Es erinnert mich an Michael Jacksons Zusammenarbeit mit seiner Mutter Katherine Jackson, die den Shuffle Rhythmus für The Way You Make Me Feel beisteuerte.

Willa: Oh, wirklich? Das hatte ich bisher nicht gehört, über keinen von ihnen. Wenn es also stimmt, dass Andy Warhols Mutter an dem Albumcover mitgearbeitet hat, dann hat sie wirklich eine wundervolle Handschrift.

Und ich schätze, wir sollten nicht zu laut lachen, wenn Warhol andeutet, dass er seine Kunst nicht selbst herstellt, weil da ein Fünkchen Wahrheit dran ist. Ich meine, dass Warhol nicht alle seine Drucke mit seinen eigenen Händen hergestellt hat. Er war sehr in den gesamten Prozess eingebunden – entwarf sie, bestimmte die Produktionsdetails, unterzog sie alle einer kritischen Überprüfung – aber er stellte sie nicht alle selbst her. Wir erwarten auch nicht, dass Calvin Klein zum Beispiel jeden Stoff, der seinen Namen trägt, selbst bestickt – wenn er ihn entwirft, dann reicht es, seinen Namen zu Recht darunterzusetzen. Jedoch gibt es diese Erwartung, dass ein Künstler all seine Kunstwerke eigenhändig fertigt. Warhol hinterfragte das, nannte sein Studio sogar The Factory – Die Fabrik, und dies ist ein weiterer Bereich, in dem er kommerzielle Kunst mit hoher Kunst verband und auf diese Weise nicht nur ganz neue Werke, sondern ein ganz neues ästhetisches Empfinden erschuf. Und diese neue Ästhetik spiegelt sich in seiner öffentlichen Rolle ebenso wider.

Lisha: Ganz genau. Dies ist ein exzellenter Punkt, den Dennis Hopper in der Dokumentation eingebracht hat, und er hat absolut recht. Wir neigen dazu, zu vergessen, dass all die großartigen europäischen Meister in ihren Studios andere Künstler unter ihrer Anleitung für sich arbeiten ließen. Es ist nicht so, dass ein einzelner Künstler das Gerüst aufgebaut hat, um die Sixtinische Kapelle auszumalen. Aber da sind so einflussreiche kulturelle Mythen im Umlauf – die des gequälten einsamen Künstlers in seiner Dachkammer, der an einem großen Meisterwerk vor sich hinarbeitet, während er sich weigert, sich für seine Kunst „zu verkaufen“ – wie in Puccinis berühmter Oper La Boheme. Ich glaube, in Wirklichkeit ist das eher eine Auffassung der Romantik des 19. Jahrhunderts als eine genaue Wiedergabe des kreativen Prozesses. Aber wenn du erst einmal auf diese Sichtweise eingestellt bist, kannst du erkennen, wie verbreitet sie ist.

Willa: Das ist ein interessanter Punkt, Lisa, und wir erkennen diese Voreingenommenheit bezüglich des „einsamen Genies“ sogar jetzt in kritischen Reaktionen auf Prince und Michael Jackson zum Beispiel. Prince wird als das einsame Genie gesehen, das allein in seinem Studio hockt und die meisten der Instrumente auf seinen Alben selbst spielt, während Michael Jackson eher der gemeinschaftlich Arbeitende war und auch eher als kommerzieller Künstler wahrgenommen wurde. Seine Einstellung schien zu sein, dass wenn ein Musiker, der sich seinem Instrument widmet, es besser spielen konnte als er: Warum sollte er dann nicht den Besten dazu holen?

Lisha: Da ich Musikerin bin, stimme ich dem ganz sicher zu! Aber der Mythos des einsamen, verrückten Genies ist solch ein geschätztes, kulturelles Symbol, dass ich auf viele Arten denke, wir haben immer noch Beethoven-Mania!

Wie Warhol trieb Michael Jackson die Vorstellung der Zusammenarbeit zum Äußersten. Auf Dangerous zum Beispiel, dem ersten Album, für das Jackson als selbst ausführender Produzent arbeitete, ließ er über 18 Monate lang drei Produktionsteams gleichzeitig arbeiten, um das Endprodukt zu erstellen. Ich weiß nicht, ob wir jemals wieder diese Art von Produktionswert sehen werden. Die Leute, die an den Aufnahmen arbeiteten, sprechen über die unglaubliche Aufmerksamkeit gegenüber den Details, in die sie verfielen und den Willen eines jeden Beteiligten, den ganzen Weg mitzugehen, um am Ende das beste, menschenmögliche Ergebnis zu erhalten.

Und obwohl Jackson berüchtigt für seine Detailbesessenheit war, so war er doch auch sehr flexibel darin, dem kreativen Input, der innerhalb dieses Systems entstand, Raum zu geben. Bruce Swedien zum Beispiel, ein Aufnahmeingenieur, bekam Credits für das Schreiben an Jam. Bill Bottrell, ein Produzent / Techniker, kreierte den Rap und viele der Rock-Country-Instrumentals auf Black or White.

Also war Michael Jackson aufgeschlossen gegenüber den Ideen und dem Talent um sich herum, und er nutzte dies wahrlich zu seinem Vorteil. Warhol scheint diese Fähigkeit ebenso gehabt zu haben – Hilfe, Ideen und Inspiration aus vielen verschiedenen Quellen anzunehmen. Offenbar war es ein Kunsthändler, Muriel Latow, der den Vorschlag machte, er solle doch erwägen, so etwas Alltägliches und Gewöhnliches wie eine Suppendose zu malen – der Rest ist Geschichte.

Und ich war überrascht zu erfahren, dass Andy Warhol tatsächlich jeden Tag seines Lebens Campbell’s Suppe aß; es ging also nicht nur um postmoderne Ironie und um Kritik an der Konsumkultur, wie ich gedacht hatte. Seine Mutter hatte immer Campbell’s Suppe für ihn, als er ein Kind war, und es schien ihm wirklich eine Menge bedeutet zu haben – Wärme, versorgt Sein, Mutterliebe. Er malte seine Realität, und ich sehe diese Gemälde anders, seit ich das über ihn verstanden habe und wie das im Gegensatz zu seinem kühlen, gleichgültigen Image steht.

Willa: Oh, ich sehe das genauso – es hat mich immer getroffen, welch tröstliches Gefühl von seinen Campbell’s Suppen-Bildern ausgeht. Sie werden oft als ironisches Statement gedeutet, wie du sagst, und ich kann das in intellektueller Hinsicht erkennen, aber das ist nicht das, wie sich das auf emotionaler Ebene für mich anfühlt. Da ist ein wirkliches Gefühl der Wärme und Beruhigung. Es ist so, als wollte er sagen, dass die Leute den Trost, den sie einst in den bekannten Symbolen der katholischen Kirche fanden – den Bildern von der Jungfrau Maria zum Beispiel – heute durch die vertrauten Symbole der Konsumkultur wie den Campbell’s Suppendosen erhalten. Während also die Künstler der vergangenen Jahrhunderte religiöse Symbole malten und formten, richtete er seinen Fokus auf die neue Bilddeutung der Konsumenten. Es ist ein brillanter Einblick.

Lisha: Es ist wahrlich ein brillanter Einblick, die Vermählung des Kostbaren mit dem Alltäglichen. Das ist etwas, was wir in jedem Aspekt in Michael Jacksons Werk erkennen, von den hochwertigen Produktionen, die er in das abgewertete Genre des Pop einbringt, bis zu den handbestickten Couturejacken, die er mit T-Shirts und Levi’s 501 Jeans trug. Kunst und Mythos durch sein berühmtes Image zu erschaffen, ist nur ein weiteres Beispiel.

Und wie du schon vorher gesagt hast, Willa, brachte Michael Jackson die Vorstellung vom Image einer Berühmtheit auf ein völlig neues Level. Ich kann nicht einmal ansatzweise erkennen, wie man dagegen einen Einwand erheben könnte. Ich bin sicher, du hast das Interview 60 Minutes mit Karen Langford, Michaels Archivarin, gesehen, in dem sie einige seiner früheren Notizen zeigt, die nun das „MJ Manifest“ genannt werden. Es war Michael Jacksons erklärtes Ziel, dass „MJ“ eine komplett andere Person, eine gänzlich neue Rolle sein sollte, für die er große, ehrgeizige Pläne hatte.

Willa: Das ist komisch, Lisha – ich habe auch an das Manifest gedacht. Hier ist das, was er schrieb:

MJ wird mein neuer Name sein. Nicht länger Michael Jackson. Ich möchte in eine völlig neue Rolle schlüpfen, möchte einen völlig neuen Look. Ich werde eine vollkommen andere Person sein. Die Leute sollen nie mehr von mir als dem Kind denken, das ABC und I Want You Back gesungen hat. Ich werde ein neuer, unglaublicher Schauspieler/Sänger/Tänzer sein, der die Welt erschüttern wird. Ich werde keine Interviews geben. Ich werde magisch sein. Ich werde ein Perfektionist sein, ein Forscher, ein Ausbilder, mehr als ein Meister. Ich werde besser sein als jeder große Schauspieler, der seine ganze Kraft einsetzt.

Und du hast recht. Es zeigt wirklich, wie bewusst er seine neue Rolle erschuf und wie er darüber dachte, über diese „gänzlich neue Rolle“ von MJ, nicht wahr?

Lisha: Jedes Album hatte eine neue. Ich werde nie den Schreck vergessen, als ich 1984 im Supermarkt in der Warteschlange an der Kasse stand und nach einem Foto von Michael Jackson suchte, weil es das war, worüber in jenen Tagen jeder redete, und als ich einfach keins finden konnte, musste ich mir von jemandem erklären lassen, dass ich bereits auf ein Foto von Michael Jackson blickte. Es haute mich völlig um, als ich versuchte, mein früheres Thriller/ Victory Tour-Bild von Michael Jackson gegenüber dem, was ich jetzt sah, in Einklang zu bringen. Natürlich konnte sich niemand auch nur vorstellen, was noch kommen sollte. Er veränderte sich immer wieder, erst in den auf die Rasse bezogenen nicht eindeutigen Protagonisten in Bad, dann in den grenzüberschreitenden Charakter in Black or White auf Dangerous bis hin zu dem farblosen fremdartigen „Anderen“ in Scream für das HIStory-Album.

Willa: Du hast einen wichtigen Punkt berührt – dass die Rollen, die Warhol und Michael Jackson erschufen, nicht notwendigerweise beabsichtigten anziehend zu sein. Sie waren weitaus komplizierter und provokativer als das. Der Erzähler fragt fast am Beginn der Dokumentation:

Aber wer war Andy Warhol? Auf seiner Reise von Andrew Warhols änderte er nicht nur seinen Namen, sondern schneiderte seine Persönlichkeit nach Maß, um einen mechanischen, fabrik-produzierten Markennamen zu erzeugen, der die Celebrity- und Konsumkultur jener Zeit verkörpern würde.

Dieser „mechanische, fabrik-produzierte“ Aspekt seiner „Marke“ war nicht besonders attraktiv, wenigstens nicht im traditionellen Sinn. Und das waren auch nicht seine Perücken oder seine rüde materialistische öffentliche Rolle. Aber seine Perücken, seine Rolle und sein Markenname wurden nicht nach traditionellen Schönheits- oder Wirkungsstandards beurteilt, weil es verstanden wurde, dass sie Teil seiner Kunst sind, und so müssen sie auf komplexere Art, eben wie Kunst, interpretiert werden.

Und ich denke, dies ist eine Vorstellung, die sehr viele Kritiker im Hinblick auf Michael Jackson wirklich missverstanden haben. Es wird im Allgemeinen angenommen, dass er in seiner späteren Karriere versuchte etwas Attraktives zu zeigen, etwas Anziehendes für ein Massenpublikum und er dabei scheiterte. Aber wenn wir uns etwa die Lyrics zu Is It Scary ansehen, dann erkennen wir, dass er etwas sehr viel Komplizierteres und Interessanteres als das tat. Neben anderen Dingen zwang er uns zur Konfrontation mit unseren Vorurteilen – Vorurteile, die die Presse und die Öffentlichkeit versuchten, seinem Gesicht und seinem Körper aufzuerlegen, weil er für „schwarz“ stand, für „männlich“, für einen „Popstar“ oder „nur einen Popstar“ – und später, schrecklicher Weise, für einen „Freak“ und ein „Monster“.

Wie ändert sich also unsere Wahrnehmung, wenn wir beginnen, Michael Jacksons öffentliche Rolle als eine künstlerische Kreation zu sehen, so wie wir es auch bei Andy Warhol machen? Und wie deuten wir es, wenn wir uns auf diese Weise annähern?

Lisha: Nun, ich denke, es wäre ein sehr viel einfacherer Weg für Michael Jackson gewesen, wenn er von Anfang an seine privaten gesundheitlichen Beschwerden öffentlich gemacht hätte, mit dem Mythos gebrochen und die Veränderungen seiner Erscheinung erklärt hätte. Er hätte ein Fürsprecher für jene wie ihn werden können, die an Vitiligo und Lupus leiden und so das Bewusstsein für diese Krankheiten schärfen können. Ich glaube nicht, dass er die erbarmungslosen Medienprügel und die Verfolgung hätte ertragen müssen, wenn das sein Ziel gewesen wäre.

Aber statt einige Wenige zu begünstigen, denke ich, sah Jackson eine weit größere Möglichkeit, die heute immer noch enorme, kulturelle Resonanz findet.

Willa: Ich stimme dir vollkommen zu. Ich glaube nicht, dass wir auch nur begonnen haben, die Bedeutung seines sich verändernden Gesichtes – als einem Kunstwerk – zu ermessen und die es auf uns in psychologischer Hinsicht als Individuen und in kultureller Hinsicht als globale Gesellschaft hat.

Lisha: Das stimmt. Dr. Sherrow Binder, ein Professor für multikulturelle und Geschlechter-Studien an der California State University in Chico hat behauptet, dass, als Jackson das Denkbild der „natürlichen Körper und feststehenden Identitäten als vorherbestimmt und kontrolliert“ infrage gestellt hat, ihm dafür „kulturell Widerstand geleistet werden musste, er in seine Schranken gewiesen oder schlimmer noch bestraft und erniedrigt wurde, damit der Gesellschaft weiterhin ihr gewohntes Umfeld der Normalität gewährleistet werden konnte.“

Willa: Absolut, und die Intensität dieser Zurückweisung ist ein bedeutender Indikator dafür, wie grundlegend und bedrohlich dies war – seine Überschreitung einer „festgelegten Identität“, wie Pinder es nennt, basierend auf traditionellen Vorstellungen von Rasse, Geschlechterkategorien und Sexualität. Michael Jackson stellte dies alles infrage, indem er seinen Körper „umschrieb“, woraus sich ergab, wie sich die Art änderte, auf die Identität durch seinen Körper dokumentiert war.

Lisha: Medien in aller Welt fahren damit fort, zu spekulieren und Geschichten über „Michael Jackson“ zu fabrizieren, wobei sie oft Fakten missachten, die seit einiger Zeit abrufbar sind. Die Erfindungen der Medien folgen fast immer einigen Variationen des „Wacko“, „Freak“ oder der Erzählung der „Monsterfigur“ und reflektieren so mehr das Bedürfnis der Gesellschaft ihn zu „normalisieren“, als es jemals über Michael Jackson getan wurde. Und Jackson wurde sich so intensiv seiner Funktion als Spiegel des allgemeinen Denkens bewusst, dass er anfing, dies für seine künstlerischen Zwecke zu nutzen, wie in Is It Scary („Ich werde genau das sein, was du sehen willst / Du bist es, der mich jagt, denn du willst, dass ich der Fremde in der Nacht bin“) und in Threatened („Ich bin der lebende Tote, der dunkle Gedanke in deinem Kopf / Ich habe gerade gehört, was du gesagt hast, genau deshalb solltest du dich durch mich bedroht fühlen“).

Willa: Und wir sehen, wie dieser Gedanke in Ghosts buchstäblich umgesetzt wird, als der Maestro in den Körper des Bürgermeisters steigt, ihm einen Spiegel vor das Gesicht hält und ihn zwingt, Zeuge seines eigenen inneren „Freaktums“ zu sein. Dieses Freaktum, das der Bürgermeister so verabscheut, ist nicht im Maestro – es ist in ihm selbst.

Lisha: Das ist solch eine brillante Szene – sie zeigt seine wahre Beherrschung dieses Phänomens.

Und noch eine weitere mythische, künstlerische Kreation von „Michael Jackson“ war bereit, die „Welt zu heilen“, die Vorstellung der Entstehung einer neuen emphatischen Zivilisation. Eines seiner eindrucksvollsten Kunststücke war, sich auf magische Weise der Farbe seiner Haut zu entledigen, um ein für alle Mal körperlich zu demonstrieren, dass „es keine Rolle spielt, ob du schwarz oder weiß bist“. Als es eindeutig wurde, haben einige die Botschaft nicht verstanden, da ging er noch einen Schritt weiter und wurde farblos – buchstäblich farblos. Scream und Stranger In Moscow zeigen dies so eindeutig.

Willa: Und es ist ziemlich klar, dass das eine bewusste Entscheidung war. Beide Videos wurden in Schwarz-Weiß, mit übermäßig heller Beleuchtung auf seinem Gesicht aufgenommen, um die Farbe auszuwaschen, sogar Abstufungen von Farbe.

Lisha: Absolut. Für mich ist es offensichtlich, dass dies das Werk eines brillanten und bahnbrechenden Künstlers ist. Ich hasse es zugeben zu müssen, dass es erst nach dem Tod Michael Jackson war, als ich mir endlich sein Werk angesehen und festgestellt habe, welch neue Art von Kunst dies gewesen ist – einfallsreiche und exquisit hergestellte Musik voller klanglicher Innovationen und sogenannter „hoch-künstlerischer“ wahrnehmbarer Schönheit, in Einklang gebracht mit Symbolik und Mythen, der Masse dargebracht durch das unterschätzte Pop-Genre und das Celebrity-Starsystem. Aber es war noch so viel mehr – es explodierte von der Bühne herunter und aus der Leinwand heraus in unsere sozialen Diskussionen und in unser Alltagsleben, um uns dazu zu ermuntern, über unsere verwirrende und gewalttätige Vergangenheit hinauszugehen.

Und obwohl ich dem seinerzeit keine Aufmerksamkeit geschenkt habe, bin ich zu der Feststellung gekommen, wie gewaltig Michael Jackson mich beeindruckt hatte, ohne dass ich es überhaupt wusste. Von 1969 bis 2009 war Michael Jackson eine konstante Präsenz, und ich glaube, du kannst den Einfluss, den er hatte, gar nicht hoch genug einschätzen. Wenn man von der intensiven Medienberichterstattung nach seinem Tod aus urteilt, dann bin ich nicht die Einzige, die sich plötzlich fragte, wie es sein würde, in einer Welt ohne Michael Jackson weiterzuleben.

Willa: Oh ja, so ist es. Ich glaube, Michael Jackson veränderte grundlegend unsere Wahrnehmung, unsere Emotionen und unsere gefühlsbedingten Reaktionen auf Unterschiede bei Rasse, Geschlechterzuordnung, Sexualität, Religion, familiären Beziehungen – bei Stereotypen aller Art – auch wenn wir es bisher nicht realisieren. Wie du sagtest, wir waren „gewaltig beeindruckt, ohne es überhaupt zu wissen“. Und ich glaube, er revolutionierte auch unsere Vorstellung über Kunst, obwohl er seiner Zeit so weit voraus war, dass wir dies auch bislang nicht realisieren. Manches davon erkennen wir noch nicht einmal als Kunst! Wir befanden uns mitten in einer ergreifenden künstlerischen Erfahrung, ohne es überhaupt zu wissen.  Es wird noch eine lange Zeit für Kunstkritiker und deren Interpretationen in Anspruch nehmen, bis zu ihm aufzuschließen, denke ich, und bis man anfangen kann, sich den enormen Einfluss, den er hatte, vorstellen zu können, sowohl bezüglich der Kunst und wie wir Kunst begrifflich erfassen, als auch im Hinblick auf die tiefgreifenden kulturellen Veränderungen, die er ausgelöst hat. Und das ist ein weiterer Weg, den Wert eines Künstlers zu ermessen – an seiner Tiefe und der Reichweite seines Einflusses.

Fast am Ende der Dokumentation beschreibt der Erzähler, wie konstant Warhols Einfluss präsent ist in jedermanns alltäglichem Leben und fragt dann: „Wie können wir dich vermissen, wenn du nicht gehen wirst?“ Dieselbe Frage kannst du über Michael Jackson stellen. Sein Vermächtnis ist überall – vom direkten künstlerischen Einfluss auf Musik, Tanz, Film, Mode bis hin zu mehr subtilen, aber vielleicht umso bedeutenderen kulturellen Einflüssen, etwa solchen, wie wir Geschlechterzuordnungen und Rassenunterschiede lesen und interpretieren.

Lisha: Weißt du, das ist genau die Sache. Michael Jackson ist überall, wohin man auch sieht. Und verstehen wir wirklich, warum er weiterhin solch einen Einfluss hat? Die Entertainment-Industrie ist voll von verrückten Ticks, plastische OPs, Make-up tragenden Glamrockern, Geschlechtsveränderungen usw. Rita Hayworth ist ein anschauliches Beispiel einer Darstellerin, die ihre spanische Herkunft „weißer gemacht“ hat, um auf der Leinwand die glamouröse Gilda zu werden. Warum also stolpert jeder über Michael Jackson? Ich denke, es wird noch eine Weile dauern, all dies zu verstehen. Bis dahin werden wir weiter „mit dem Elefanten tanzen“.

Zu den Bildern, die Michael in seinem Scream-Shortfilm zeigt, schreibt Willa Stillwater in M-Poetica (Auszug aus dem Kapitel „Scream“):

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Er und Janet werden die Betrachter von Kunst, das Publikum. Sie sehen sich Kunstwerke an quer durch die Geschichte, Werke, in die Bildhauer und Maler ihr Herz und ihre Seele hineingesteckt haben, aber die Weltraumreisenden verstehen sie nicht. Es ist sogar so, dass sie gelangweilt sind: Janet (in ihrer Rolle) faulenzt auf den Möbeln, Michael zappt sich mit einer Fernbedienung durch Kanäle. Es gibt keine einfache Antwort dazu, wie man die Interpretation des Publikums bezogen auf das Werk lenken kann – anders als ein selbst-reflektierendes Video wie Scream zu drehen, das die Aufmerksamkeit auf dieses Thema lenkt.

Interessanterweise ist das erste Kunstwerk, das Jackson in dieser Rolle betrachtet, eine Fotografie von Andy Warhol. (Warhol erschuf vier Porträts von Jackson für das Cover des Time Magazine, welches am 19. März 1984 erschien, so revanchiert sich Jackson in gewisser Weise. Eines dieser Bilder hängt in der National Portrait Gallery, zwei andere wurden kurz nach Jacksons Tod auf einer Auktion verkauft.) Auf den ersten Blick kann man sich kaum zwei unterschiedlichere Künstler vorstellen: Warhol war so ironisch, gleichgültig, keine Gefühle zeigend, wie Jackson leidenschaftlich, engagiert und einfühlsam war. Dennoch, Warhol und Jackson waren beide Pioniere in einer neuen, hoch angesehenen Kunstform. Beide wurden nicht nur Künstler, sondern kulturelle Ikonen und zwei der einflussreichsten Former der Popkultur des mittleren bis späten 20. Jahrhunderts. 

Sie trafen sich das erste Mal Anfang 1977, als Jackson 18 Jahre alt war. Die Andy Warhol Diaries enthalten eine kurze Beschreibung dieses Treffens:

Catherine und ich gingen hinüber zu Regine, um Michael Jackson von den Jackson 5 zu interviewen. Er ist jetzt sehr hochgewachsen, hat aber eine wirklich hohe Stimme … Die ganze Situation war lustig, weil Catherine und ich nichts über Michael Jackson wussten, wirklich, und er wusste nichts über mich – er dachte, ich wäre ein Dichter oder Ähnliches. Also fragte er Fragen, die niemand, der mich kennt, je fragen würde – ob ich verheiratet wäre, ob ich Kinder habe, ob meine Mutter noch lebt … Ich erzählte ihm „Sie lebt in einem Heim.“

Ein Grund für „Fragen, die niemand, der mich kennt, je fragen würde“ ist, dass Warhol selten eine ehrliche Antwort gab. (Tatsächlich war seine Mutter schon Jahre vorher gestorben.) Teil von Warhols Kunst war die Erschaffung eines rätselhaften öffentlichen Images. Damit Kunst einen Eindruck hinterlässt, muss sie wahrgenommen und diskutiert werden; sie muss Teil eines ständigen kulturellen Dialogs werden. In Warhols Kunst, wie in seinen Gemälden von Marilyn Monroe, vollzieht er eine ernsthafte Analyse unserer Verehrung von Berühmtheiten. Er nutzte sogar den Klatsch unter Berühmten, um sich selbst und seine Werke zu fördern, und er wusste besser, wie er den Klatsch anheizen konnte, als jeder Künstler vor ihm.

Warhol und Jackson definierten den Geltungsbereich des Künstlers neu, indem sie ihr öffentliches Image zu einem bedeutsamen Teil ihrer Werke machten. Für Warhol beinhaltete dies die Kultivierung eines exzentrischen öffentlichen Gesichtes: extrem blasse Haut, pechschwarze Augenbrauen und eine Reihe von zotteligen weißen Perücken. (Warhol litt als Kind an einer Autoimmunschwäche, einer Störung, die die Pigmente seiner Haut angriff.) Das Ziel seines aufsehenerregenden Aussehens war nicht ein attraktives Äußeres, genauso wenig wie es das Ziel seiner Kunst war, hübsche Bilder zu malen. Stattdessen formte er sein Äußeres sorgfältig, um für jedermann sichtbar seine Definition des Künstlers auszudrücken, der Art des experimentellen Künstlers, der er sein wollte.

Welches eine wichtige Frage aufwirft: Wie sollen wir Michael Jacksons sich entwickelnde Erscheinung sehen, besonders die sich verändernde Farbe seiner Haut? Es begann mit einer Krankheit, die fortschreitend die Pigmente seiner Zellen zerstörte, aber es wurde wesentlich mehr als ein medizinisch bedingter Zustand. War es das Ergebnis eines tief sitzenden Unbehagens gegenüber seiner Rasse, wie gemeinhin angenommen? Oder war es etwas anderes? War es vielleicht Kunst, wie Jackson selbst sagte?

Dr. Arnold Klein, Jacksons Dermatologe, hat bestätigt, dass Jackson an Vitiligo litt, trotzdem sagte er in Interviews, dass Jackson immer auch sein Gesicht als Kunstwerk diskutierte. Jackson suggeriert dies in Scream ebenfalls, durch die Einbeziehung des Warhol Porträts und René Magrittes The Son of Man, das bald danach auftaucht. Das Gemälde von Magritte, welches in Scream abgeschnitten erscheint, um die Aufmerksamkeit auf das Gesicht des Subjektes zu lenken, oder wo das Gesicht sein sollte, zeigt einen Mann mit einem Bowler Hat mit einem Apfel vor dem Gesicht, der seinen Mund, die Nase und die Wangen verdeckt und die Stirn freilässt. Nur seine Augen sind zu sehen. Sein Gesicht wurde faktisch durch ein Stillleben ersetzt, ein Kunstwerk. Wir sehen Kunst, wo wir erwarten, ein Gesicht zu sehen.

Das Warhol Porträt und das Gemälde von Magritte verbindet ein drittes Bild – ein abstraktes von Jackson Pollock, dessen Vorname Bedeutung erlangt in diesem Zusammenhang. Es funktioniert wie ein Pfeil, sagt uns, in welche Richtung wir schauen sollen, während wir die beiden benachbarten Bilder interpretieren. Jackson betont diesen Punkt, indem er sein eigenes Bild abschneidet, genau bevor er zu dem Jackson Pollock Gemälde zurückkehrt. Durch die sorgfältige Auswahl und Platzierung dieser Bilder benutzt Jackson die Sprache der Kunst, um zu erklären, dass, wie bei Warhol, sein sich änderndes Äußeres als medizinischer Zustand begann, aber nun zu einer bewussten künstlerischen Entscheidung geworden ist.